【台灣畫家】梁震明水墨創作脈絡介紹

Last Updated on 2022-08-28 by 梁 震明

以台灣山海之景做為創作的主題，一直是我所延續和堅持的部分，這與自幼生長在台灣，安居在寶島有關。2001年春天，有幸登上天下第一名峰「黃山」，一探究竟的了解為何能讓許多畫家著迷的原因，自己也被險峻挺拔的諸峰、形態奇特的老松和瞬息萬變的雲霧所吸引，但歸來後，卻也未曾多畫與黃山有關的繪作。

這是因其雖有千景可選，奇石可畫，但無法長居，總有著霧裡看花，難以動筆的感覺。台灣雖沒有神妙絕倫的名嶽，但也不盡然沒有自塑的特色，在崇山峻嶺的保護下，眾多地方依然保留著濃厚的荒野情趣，不斷吸引筆者前往駐足與潛心體悟。1993年開始的「水墨台灣」系列作品就是在這樣的思維下產生，並多以草山為題，碎筆萬點的來呈現一種荒蕪與孤寂的美感。

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研究所求學時，除進行「水墨台灣」作品外，亦因「墨與黑的創作思辨」之研究讓自我開始思考，一些吾等習以為常的事情。倘若我們將水墨視為單純的一種材質，那麼其屬性是否將該被深入的探討。因為我們對這些材質的認知，經常來自傳統的規範，而較少本我的分析、推理與判斷。

當我們對眼前的任何事物都視為理所當然的時候，缺乏進一步的思辨，就會矇蔽自我的智慧，如果僅是相信前人的體略，卻沒有去思索其背後所隱藏的道理，蕭規曹隨般的跟隨其步伐，必然無法超越他們的成就，提出更有開創性的見解出來。因此思辨的原由在此，唯有透過思辨才能找尋屬於自我真實的看法。如果所有材質的運用全憑習慣，卻未曾去思考其道理為何，就必須藉由研究的方法，重新認識這樣的材質是否適用於我們，無論結果如何都足以改變你我的觀念並造成影響。

「台灣山水」系列作品是紙貼於壁及想法仍圍繞墨與黑的研究下，在2008年逐漸展開，並以「黑色的覺醒」展覽為界。展前除了將先前未成之舊作修改外，亦奮鬥不懈的嘗試將墨黑共用，潑墨於紙及以紙代筆等技法來表現新作。展後則決定脫胎換骨，一改前習，重新將重彩導回畫紙中，且在反思過往的創作歷程後，開始決定全以台灣海景做為未來的藍圖。

回顧2009年10月「黑色的覺醒」展覽論述，自言：「此次展覽我使用了相當多的水性黑色顏料來處理自我創作的一些問題。首先為何會用黑？從前我只是將黑色顏料視為墨色死板時的救畫材料，但現在則是體認到墨色的選用價值之於我的關係，也就是我所創作的是水墨畫，還是黑色的山水世界。」

其實這段話，現在看來，更能體會當時的用意。那次策畫的展覽是具有實驗性，考驗本我與觀者之間長期存在已久的問題，對我而言，墨絕對不是黑色顏料，它是有著深遠的文化基底與脈絡，豈能混談，但對觀者來說，這些用黑色顏料畫的作品還是水墨畫，因為怎麼看還是黑黑的山水畫，難以產生共鳴，也就是我們所執著在意的事情，若是放在繪事之外，原來一切都不是這麼的重要。也或許是那樣的契機，點醒了筆者，才有接下來「海景意象」及「千岩萬語」等系列繪作的誕生。

「無名虛相」系列創作時間與「台灣山水」有些重疊。2010年多數是紙鋪於地的模式，亦在台北市文化局的創作補助下展開。「無名」即無以名狀，亦非實景之境，其乃胸中邱壑。「虛相」為虛幻相體，雖看似有筆有墨，但實非常見之筆，慣用之墨。藉由「無名」將山水畫推向更抽象性的表現，跳脫外在形象之束縛，直探藝術的本質，而「虛相」之用意，在於打破水墨材料運用的既有模式，以「大立大破」和「遊戲」等想法來體現傳統媒材於當代空間呈現的困境，並尋找突破的可能性。

從事此系列最大的體會，就是因當時藉由潑墨式的自動性技法，讓筆者有緣發現構成畫面元素並非需要外求才能獲得，有時不經意的效果是動筆塗墨永遠無法複製的，所以在材料探討後，又回歸到表現的形式與內容上，做更廣泛的接觸及與深究。

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 2011年開始以紙繃於板並著手「海景意象」，試將錯落的磊石、堅硬的岩壁、白皙的沙灘、孤寂的島嶼、蔚藍的海潮、高聳的燈塔和歸航的舟艇做為描寫與組合的對象，亦將思想情感與此些景物持續在腦海中激盪且轉化，並將一幅幅意念聯想的心靈畫面及物象與意念交流下獨特營造的理想宇宙畫出。所以「海景意象」系列主要是期待呈現有如超脫現實般的意象空間，並將個人藝術推向虛幻美學的方向。

2014年的「千岩萬語」則是在「海景意象」挑燈夜戰的創作經驗基礎下，竭盡全力的對特定單一主題作更深入的探討與表現，並著重在描寫對象與自身生命經驗的對話。2017年在譚精忠先生的鼓勵下展開了「奇石乾坤」系列的創作，主題也從龍洞逐漸轉變成太魯閣，擷取岩石局部，試將其幻化成磅礡巨山。